著名音乐人陈耀川谈创作:只靠灵感写歌,就别来这一行

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想对2113某些写歌的朋友说说 [日期:52612005-06-11] 来源:吉他中国 作者:草海4102 [字体:大 中 小] [dvnews_page] 由于网上要求找我交1653流作曲心得的朋友比较多,为了避免重复打字,我特把我的观点集中表述如下: 很多朋友一上来就说他们很有写歌的愿望,问我如何写歌。我的第一感觉是这种心态太不踏实了,缺乏一种客观的态度。想写歌想作曲的愿望当然是值得鼓励的,但是如果你连自己哼出的东西都没法记录下来的话,这种想法就成了急功近利的表现。 其实写歌包括配器这个东西是个水到渠成的东西,如果你还在问我该怎么写的话,我觉得你根本就没入门,对这个音乐这个东西根本还没能力掌握。对写曲子这个想法还必须先放放,多去学习基本的东西,学到一定程度,积累到一定量,自然就会知道下一步该做什么,包括评价自己有没有作曲的能力。凡是一上来就问怎么写曲子的朋友经过我进一步了解,都是没什么音乐基础或者基础不好的朋友。不要走都没会就想飞,这是我想说的。你们需要的不是怎么写曲子,而是怎么先去了解音乐是怎么回事。 更进一步来说,写歌到底是怎么回事?很多人即使他不懂乐理是个乐盲,时常也能瞎哼出一些曲调出来(我老爸就这样,呵呵),但是他们自己不了解哼的是什么东西,所以没法记录,所以也没法跨进音乐这个门槛。而懂得记谱的人就不一样,他可以把自己或者别人哼出的曲调记录下来,比如王洛宾,于是就有这么些部分人成了作曲家,音乐家。实际你有没有作曲的能力就在于你有没有记谱的能力。 如何训练出这个记谱能力?首先你得识谱,唱的要准,歌谱的细节都很清楚。然后要练耳,包括分辨音程和分辨节奏,各种复杂的音程和节奏都要练到条件反射,一耳就能辨认。这个有点象练英语,要练到象母语的程度。当然越复杂越难辨认,但是能分辨的出复杂音程和节奏的人一定也可以写出复杂音程节奏的东西,所以想要写歌写的好对耳朵的训练要持之以恒,不断提高,而且没有尽头。练到一定程度,你听到的音乐的时候,在你头脑里反应的不是声音,而是乐谱。 更进一步,如果你不单单是能辨认音程和节奏,而是对乐曲的和弦也渐渐开始敏感了。你会渐渐发现歌曲的旋律都是建立在和声的基础上的。除了传统式的中国乐曲是先有旋律再有和声背景(也就是先有曲,再配器)以外,现代乐的旋律都是建立在严谨的和声架构基础上的。你对和声越敏感,就越会发现写好一首歌是多么不容易的一件事情,需要很强的基本功。你对和声越敏感,也就会越发现国内音乐对和弦运用手段的匮乏,听得出什么是好歌什么是烂歌。真正有水平的歌曲光从旋律上看是无非跟烂歌拉开距离的,甚至旋律还不如烂歌来的花哨。你会了解到真正有内涵的旋律是什么意思。 下面上一个层次,谈谈如何写好曲子 对写歌有经验的朋友来讲,要讨论一个写歌的趣味问题。一件事情,如果你会做,别人也会做,甚至人人都会做,那你做起来就很没乐趣。如果这件事只有你可以做,你的感觉会很不一样。写歌也是一样,如果一段旋律你想到了,但是听众也能想到,这个曲子就很没特色,或者说没什么水准,没难度。为什么说现在的流行音乐垃圾多,就是当你听到了开头就能预料到他下一句唱到什么音上面去,连你都能想出这样的旋律,那么这首歌必定不是什么好货色。现在的歌曲都是似曾相识的风格和曲调,听多了让人感觉腻味,因为它们太平常太普通了,没有新鲜感。我们写歌应该讲求一个作曲的乐趣,要写出可以抓住听众耳朵的东西,要让他们感觉到不一样,这是属于你自己的个性问题,只有你想出了这样的东西,别人不会这么想,如果你的曲子还能让别人觉得好听的话,那就说明你的水平真的很不错,这才是写歌的乐趣,要突出个性。 从另外一个角度来讲,很多人不谈各种作曲技巧,喜欢强调一个观点:“音乐是感性的,不一定非要遵从什么规律”,他们的意思是想抛弃作曲那种严谨的架构去天马行空,走出属于自己的个性世界来。照这么理解的话,不用理会那些束缚作曲的结构体系,任何人都可以玩音乐了,那你自己还能体会到乐趣吗?今天我给你一把吉他,你明天就出一张不知所云的专辑,这并不是不可以。但是会有几个人承认你这样的音乐呢?说白了,我乱写,你也乱写,大家互相不承认,这样很有意思吗?所以我个人是非常反感这种反传统的做法,实际就是想逃避音乐规则。 因此,从写歌的乐趣角度出发,我希望写歌的朋友都能在理性的约束下写出有个性的旋律出来,这才是乐趣。 最后讨论一个写歌水平的维持的问题 大家也许都注意到国内的创作型歌手都非常短命,要么就一首歌出名,要么就一张专辑出彩,很少有能维持创作水准的歌手。比如郑钧,唐朝等等。大部分人的观点有两点:1是因为出第一张专辑的时候他们的生活比较艰苦,体验比较深刻。成名后生活水平的提高引起了创作想法的变化,很多物质因素左右了他们,所以以后就平庸下去。2是因为第一张专辑是他们多年灵感的积累,成名后灵感用的差不多会枯竭,没灵感就没好歌。对于这种“物质生活论”和“灵感论”不是完全没道理,但是我觉得肯定不是主要原因。国外的乐队很多70年代就成名了,到了现在还有好的专辑和好的单曲不断涌现,难道他们作曲不受物质生活和灵感枯竭的影响? 有人问李敖“你写作需要灵感吗”他反问“妓女卖需要性欲吗”,这实际上已经说明了问题。创作不能靠灵感去维持,要靠基本功和积累。纯粹用灵感去写歌是非常累的,你不光要靠灵感想出一个漂亮的开头,还要靠灵感想出一个漂亮的过渡,然后还得灵感突发写出一个漂亮的高潮,余下每首歌都这样,这样持续下去你还能不枯竭吗?真正的写歌是借助一个动机来发展的,动机就是灵感,余下的部分是靠作曲者对音乐创作技巧和理解发展而成的。强调灵感忽视作曲技巧的人迟早要走进资源枯竭的死胡同。国内创作型歌手艺术生命短就是因为基本功和积累不够造成的。对于国外那些大师级的人物来说,他们随便信手拈来的东西都会让我们觉得深不可测,为什么?基础不一样啊!对他们来说,灵感不是什么特别的东西,只要找到一个写作的方向就可以发挥了,一切按照他们的作曲风格进行,就这么简单。 所以说想维持自己的写歌水准或者想进一步,很简单,把基础再打牢点,积累再深厚些。学习学习再学习是解决这个问题的最终办法。那种把自己关在录音棚里面闷头找灵感的方法是没有效果的。 暂且先写到这里,欢迎各位朋友批评指正 续1: 关于写歌,我的确是可以告诉大家我自己的一些心得(而且我也曾经在这里贴过,但是反响并不算太热烈,我不知道是深奥了,还是说的不对)。我可以这样反问你,如果你今天告诉你一系列写歌技巧,你明天就可以写的出歌曲吗?我之所以发上面的一篇帖子,就是想告诉大家,写歌是积累,就算我告诉你我知道的全部,你也不可能变得跟我一样。这是典型的知易行难。你如果真想要学习怎么作曲,自己可以找些和声理论,配器知识的书籍来慢慢研习,然后还要不断的练习听力,提高耳朵对各种音程和声以及节奏的敏感程度。但是有几个人会去踏踏实实的去这样做呢?还不是都是希望从我这里得到一些攻关秘笈,一步登天。我已经说的很清楚了,如果你还在问我怎么写曲子的话,请先放下写曲子的想法,去了解音乐的基本概念。总有一天,你会自然醒悟,原来作曲就是这么简单。我现在能做的只能是帮你指路,而不是拖着你走路。 在我的经历当中,我好像从来没问过别人怎么写曲子,甚至弹吉他也是,我也从来没有过老师。但是如果你思想能够走在你的技术前面,你下一步的路自己已经就看的很清楚了,不需要特别有人指点。相信我,世界上的好东西都是建立在踏实的作风和基本功上的,多加强基本素质的训练会让你无师自通。 续2: 可能这里有很多人不屑于那些学院派的专业老师,也不屑于学院派的那套东西。但是一旦你了解到了学院派的东西,会发现自己以前是多么狂妄。毕竟作曲的这一套理论和各种训练已经经历了多少个世纪多少个音乐天才的发展和研习,产生了这么多经典令人匪夷所思的作品。要想否定它的作用,还轮不到我们这些半瓶子水的小青年。 学院派的这套东西之所以不被大家看好,是因为国内的学院派作曲人没出过几个好东西,实践能力不行,又不屑于写流行的东西,有点象学武成了武痴,反而变的不通事理看不开了。但是大家走出去到国外看看,情况完全不是这个样子。很多好东西在国内就是存在误解的,比如摇滚,在国外是很正常很主流的,在中国就是另类和社会混混的象征。学院派这个东西也是这样。 另外上面有人谈到作曲要不拘泥于规则,要创新等等。我觉得这里分为一个有意识和无意识的问题。如果你打破这种常规是有意识的,我想这是无可厚非的,因为你明白本来规则应该是怎样的,只是为了表达需要而特意设定的,实际上这里又产生了属于你自己的一种新规则。但如果你是无意识的打破了常规,我想这只能是归为一种错误,就好比唱卡拉ok跑调了还没感觉,这不可以美其名曰是不拘泥规则或者创新。拓展开来说,玩另类的应该首先搞清楚主流是什么,先理解和掌握主流的各种规则,然后再进行另类的创作;玩punk的朋友也要先练好技术再来玩粗糙的,这样感觉会很不一样,有种得心应手而又有乐品的感觉。 总之,我强调的是,先理解掌握它,再打破它颠覆它。而不是什么都不懂或者半瓶子水就开始谈打破和颠覆,那样是制造混乱而不是音乐。 续3: 其实那两三首歌能写的出来,也是你积累的结果,它们集中体现了你的学习成果。在一定学习成果的基础上,灵感就光顾了你。就好像你现在已经爬上了个小山坡,这个山坡上的任何资源就可以供你调用了,但是一个小山坡上的东西毕竟是有限的,用了一段时间就会枯竭。然后你得爬上更高的一个山峰上去,这时比这个山峰低的各种资源你都可以用到了。当到了大师级的水平,那真的是“会当临绝顶,一览众山小”的感觉了,天底下的资源你都是可以用的,什么时候会枯竭?到你老死的那天都不一定用的完。 我们活着为了音乐就是向上爬的过程,而不是坐在土坡上等着山上的苹果砸下来。 在创作中,我特别强调理论功底,为什么?因为中国人缺这个。中国人可以很聪明,可以很有灵感,可以有大音乐家的潜质。但是我们薄弱的音乐基础不得不让我们在起点上就输给老外。中国是个不善于理论,讲求感性的的民族。你不要跟我说感性是音乐的根本,感动人才是最关键的,因为我觉得你根本就不理解音乐是怎么来的,你所觉得感人的那些音乐是怎么创作出来的,创作者是站在一个什么基础上才能有这种感人的作品的。理论究竟是不是你所想象的那么死板,那么限制灵感,那么限制自由。你有多少理论基础,有没有享受过理论基本功给你带来的好处?这些都是需要中国的音乐创作者思考的问题,你们在学习吗?在进步吗?以下是我关于理性和感性谁比较重要的帖子: 1 感性是创作的源泉,理性的技巧是服务和协助! 这样的句子很漂亮,但是不实用 我的感觉是天赋和理论都是不能偏废,在创作中,灵感先于理论到达,但是不能说明灵感比理论更有分量。好比你选择一个女朋友,长相是门槛,但是并不是最重要的,性格可能才是你最终选定的最重要因素(当然是在长相符合你的标准的情况下) 创作也是这样,灵感或者说感性的东西就是一个门槛,没有这个门槛什么也别谈,但是过了这个门槛就要看大家的功力的深厚了,这个功力是日积月累的音乐鉴赏,听力和理论各方面的沉淀。有人有很好的动机,很好的感情,很好的灵感,但是没有办法继续完和这个灵感同样出色的余下部分的创作,说明他还是个业余创作家,理论沉淀还跟不上。而真正的艺术创作家总是可以抓住一个小小的动机把它发展的非常感人和出色。实际上大家对理论有些误解,喜欢把它书本化,其实它恰恰就是发挥听觉的艺术一把利器,把最好听的音符给挖掘了出来。而很多时候,这些音符光凭一腔热情是找不到的。所谓的音乐大师哪个不是高深的理论大师,他们是天赋和深厚基础的完美结合。 过于强调天赋和灵感很容易让人对理论产生排斥,觉得凭自己的小聪明不需要特别用到什么理论也可以写出不错的作品。但实际上仔细听过这些作品以后,发现艺术性还是不够,走的路子比较野(当然有人会说比较自由),但是长此以往,很容易走入死胡同,创作生命不够长久。在国内,能谈的上创作生命长久的音乐人少之又少,为什么?都是灵感突发类型的,总有江郎才尽的一天。而如果有个深厚的音乐沉淀情况就不一样,一个小小的灵感可以充分扩展成一首完整的曲子,不需特别的再灵感突发把余下部分完成,否则会是相当累的。 我很欣赏国外的流行乐创作是百花齐放的,既有学院派的(比如很多电影插曲),也有很多野路子的(比如摇滚类的)。但即使是野路子的创作者也是有着深厚音乐沉淀的,只是风格不同于学院派的套路而已。但是他们通通都是理论的大师,加上他们的音乐创作理念比较受听众的认可,所以出名,而且可以水平不降低的一张接一张出专辑,这种现象跟国内是两回事。 总而言之,感觉国内流行乐还是轻理论,踏踏实实学习的人少,想马上写好歌出名的人多。跟学术界一样,浮夸。 一家之言,或许有偏颇,但是是我的切身感受 2 音乐中感性和理性哪个占第一位的问题有点象唯心和唯物主义关于物质和精神哪个第一的争论。似乎公说公有理,婆说婆有理。其实这是事物不可割裂的两个方面。一个音乐作品在一定的框架内形成,在这个框架内有着自己的思想。拿开框架谈思想或者离开思想去搭框架都是毫无意义的。去强调任何一方的重要性都是正确的观点。但是需要警告的是,不可以轻视任何一方,如果你忽略了对感性或者理性任何一方的培养,它必将成为创作当中的瓶颈。照理说,我对这两方面的发言应该是平均用力的,但是我没有这么做。我特别强调理论是基于现在某些普遍现象的考虑。这些现象需要解释一下,大家就自然明白我的用意了。 从我的亲身经历出发。我教吉他,教过不少学生,上的大都是初级的内容。大家知道,初级当中学习乐理的重要性和练习弹奏的重要性是一样的,双方应该平均用力。但是如果给定一定时间的练习时间让学生自己去练,绝大多数学生一定是选择练习弹奏吉他,而不是视唱练耳这样的音乐内功的练习。以至于到了最后,会弹出声音的人多(而且弹的还不难听),会调弦会识谱的人少。这是为什么呢?因为懒惰二字。他们的懒惰不在手上,而是在脑上。学习乐理及听音的基本功显然更象是一种脑力劳动。当他们将时间用来练习弹奏时,实际上是不想动脑筋(尽管他们可能意识到学习乐理和视唱练耳可以使他们事半功倍)。所以如果我不做特别的强调,或者是同一性的强调双方的重要性,导致的结果很可能就象以上我说的这种情况,到最后不懂音乐只懂弹奏。于是我每次都会把乐理和视唱练耳提高到超过练习弹奏的高度上来,要求他们全力重视(当然我不会担心他们不练习弹奏) 实际上大家也会发现类似的现象,很多人弹奏吉他运指如飞,但是却合不上拍子,弹的没有音乐的感觉,所谓的脑子跟不上手就是这样。他们对于技巧的练习并不缺乏,甚至是饶有兴趣。但是他们却厌恶乐理,即使知道这样不对,他们也不愿意花大力气来改观。这就是我所说的脑子上的懒惰。 联系到创作音乐上来,很多人自诩为有天赋,有感觉,有经历等等一切的感性元素。强调感性是主要的,理性是次要的或者是辅助的。我看到的却是另一层意思,是他们想避开缺乏理论基础的现实。其实天赋和感觉是摆在那里的,烙在你身上的,有多少就是多少,生活体验也是随着时间的推移就慢慢沉淀下来的,不需要特别费力的去学习。反而是音乐内功这种东西,不静下心来,没有学习的精神和毅力就不会进步的东西是最难于突破的。那么我不强调这些动脑的,和毅力有关的东西还能强调什么呢? 大家不要把音乐看成是简单的发挥自己才华(客观)的工具,它也是你学习精神(主观能动性)的一种体现。如果你能写的出真正的艺术作品,那不仅是你天赋的体现,更加是你努力学习音乐的结果。音乐不是投机,是踏踏实实的学习。 最后要说的是,大家听着自己喜欢的音乐,感叹这样的音乐真正是感性的作品,可以如此的打动自己。但是请不要忘记作者在写这首作品以前做的大量的理性准备工作,他们都是经过辛勤的脑力劳动,听磁带,扒谱,学习,体会等等之后,才结合自己的个人经历写出这么一首动人的作品的。有谁见过天赋很高,但是音乐内功差的人写出很动人的作品吗?这不难推理出,音乐创作的水平和音乐修养的水平是成正比的。天赋再高,体验再多的人,如果他不继续补充音乐内功,也很快陨落下去。 总结我的观点,感性和理性对于音乐都是重要,但是需要特别强调理性,因为它是真正的音乐家和音乐投机分子的分水岭 3 从中外音乐的各种对比来强调音乐当中的理性: 首先要褒扬我们国家的文化,博大精深。但是很多文化到了如今,很多人都不明白是怎么形成的,到底是依据一个什么样的道理,遵循什么样的规则。最明显的例子莫过于易经,易经对于人类认知世界的价值早已得到众多中外专家的认可。但是两千多年前的古人为什么可以比现在的人更懂得世界呢?他们有没有什么规律留下让我们去重新推算一遍,从而可以了解古人的想法呢?很遗憾,没有。中国的文化是重感性,轻理论的。很多时候只要用出来是对的就可以了,而这些方法具体是怎么推导出来的似乎并不是很重要。 转移到中国传统音乐上来,也是这样。很久以前,就有专家分析说民乐不善于总结,没有形成理论体系,这一定程度限制了民乐的进一步发展。不能说民乐达到的程度不高,但是相对于西方音乐严谨的结构和逻辑,民乐总体来说是比较写意的,比较感性的。其实民乐和西洋乐追求的境界根本就是不一样的,两者的统一必定是十分困难的一件工程。小弟自问没有能力做到,所以现在只能就民乐讲民乐,就西洋乐讲西洋乐。 如果是在大唐盛世,全世界以中国文化为主流,今天我们就要大谈感性。但是很遗憾,现在我们听到和进行创作的音乐都是以西方古典乐为基础的衍生类型。主流是西方乐,我们就不得不认真研究西方乐的结构,这对于我们讨论的题目才是有意义的。 有一种不成文的说法:“巴赫的音乐包含了音乐所有的可能性”。巴赫的音乐就是西方乐的基础,欧洲音乐之父的称号也就是这样得来的。不知道,大家研究过巴赫的音乐没有。我研究的不多,但是我知道巴赫是根据一个个小小的动机,利用各种算法和理论进行移调,变奏,倒映等等。从而把一个只有短短半分钟的主题发展成一个长达十几分钟甚至半个钟头以上的完整曲子。这些曲子不会让人觉得单调,反而是趣味横生,精巧的不可言语,发挥到了听觉效果的极致,而且同样甚至更好的表达作者的情绪。 由巴赫音乐为基础发展起来的西方乐都是强调理论的,讲求结构,织体,和声等等。学习西方音乐,首先要了解的就是一系列的作曲技巧。现代西方流行乐其实也离不开这个大体的框架。虽说现代乐的鼻祖是由黑人的blues演变而来,但是西方作曲家们在参透黑人音乐的精髓后,加入了传统的作曲技巧(当然也根据需要改变了一些理论体系),因为他们的骨子里还是西方音乐的。我们现在所听到和了解到的现代流行音乐就是西方作曲思路和杂糅各种民族的表达方式(比如blues)的结合体 举个例子,都说Eric Clapton的blues弹的好,但是除了那些绚丽的solo,你是否曾经注意过Clapton的作曲套路,他从前奏开始到发展,到高潮,再返回原来的主题到底用了多少次转调?这些复杂的作曲套路在我们国家的流行乐当中还是个稀罕物品。中国的流行乐不要说多次转调,能有一次转调就说明作曲者水平很高了,而且通常还不是在高潮,而是在bridge过渡部分转到原调的关系大小调上面去。Clapton所有精彩的感性的solo都是建立在这样一个复杂的和声进程的基础上。而我们崇拜Clapton的那些琴友大都只看到了那些精彩的solo,而忽略了他理论方面的基础和沉淀。 类似这样的例子可以在其他任何一个高水平的西方流行乐当中找到。只要你的音乐听力各基础够好,你应该可以听出西方乐和中国流行乐之间的档次差距在什么地方。只要你注意到了中西方流行乐中的各种细节对比,你也可以发现我们国内作曲人创作的思路是多么简单、贫乏和粗糙。 4 下面抽空来谈谈感性,我对感性的理解主要有两点: 第一,我在前面已经讲过,只有感性的人才能写出好作品,而这个作品的主题是什么并不重要。 大家知道艺术是来源于生活,高于生活的,这很对。比如我们看精彩的电视剧,大都是情节曲折,浪漫,奇巧的构思。这样被我们称作戏剧性,影视作品或者一切的表演艺术都是讲求戏剧性的,这样才能称之为生活的典型。但是实际生活中,这样的情节是不太可能出现的,哪有那么巧的事情,哪有那么浪漫的爱情,哪有那么单纯或者坏的人。生活就是平平淡淡,偶尔一点小波浪,不太可能象电视那么夸张(不排除极个别巧合)。音乐也是这样,它所表现的情绪都是人类情感的极致。正因为它表现了最极致的东西,才会感动听众,让听众感受到音乐的震撼。但是音乐的作者本身的生活却不都是这么极致,他们都是普普通通的人。但是他们与平常人不同的是,他们善于抓住这种极致的感觉,这与他们感性的性格是分不开的。他们比普通人更容易体会到感情上微妙的东西,也是经历各种事情以后的自然结果。这也就是通常所说的生活体验。艺术家需要去体验生活,是为了培养他们更加细腻的情感,而不是单纯的叫他们到生活当中去寻找主题或者素材来进行创作。不要以为只有失恋的人才配写失恋的歌曲,如果他音乐内功不深,听上去还不是真正意义上的好音乐。一个感情细腻到可以似乎身临其境的体验到失恋痛苦的,但是从来没失恋过的音乐家同样也是可以写出好作品的。 如果我的这个看法成立的话,这就可以给创作者很大的创作空间。许多非现实的题材都可以拿来创作。金庸写武侠他怎么去体验生活?重回古代去了解那些血雨腥风吗?显然不可能。他只能凭自己已有的经历,情感和认知观去写他从来没经历过的事情了。大量的艺术作品其实就是在作者不曾体验的情况下诞生的。我不同意把理论书本化,同样也不同意把体验和感性局限化。 第二,什么样的人写什么样的歌 这个道理很简单,学生唱清纯的歌,愤青唱极端的歌,穷人唱大众的歌,富人唱小资的歌。但是经常在我们身边会发生角色错位,让人看着好笑。 举个例子,不少上了大学的懂点摇滚和音乐知识的都想搞乐队,而且唱得都是愤青的歌。其实他们穿的好,吃的好,又不是没有女朋友,生活的这么好干吗唱这么愤怒的歌。原因无非有两点,一是想出风头,赶时髦,表明自己很先锋。二是因为他们平时就是喜欢听这样的音乐,也希望可以做这样的音乐。但是他们忘记了自己的思想和感受没达到愤怒的地步,在这么安逸的情况下还唱这么痛苦的歌是不是有点勉为其难。 要知道,喜欢归喜欢,但是创作音乐的时候还是要做回自己,以自己经历和感性程度作为基础,结合作曲技巧来创作。不要一味主观的追求某种风格,忽视了自身的“阶级地位”。假装深沉或者假装清纯都是令人作呕的。 我对国内流行音乐的现状的一些看法,主要是针对学院和政治对音乐的影响:,不用2113管什么最重要,也不用管什么找5261不找的到音,我是学小提琴的,还不怎么4102会钢琴呢~~我就自己写过1653,其实 也不算写!有时候自己随便哼出来调用简谱记下来就好了,我也不会什么很高深的理论,但按简谱按音先记下来,你应该也会变一个调然后用钢琴弹出来啊,比如说升高三度降低几度...那样就可以了~~~觉得哪个调好听就用哪个~~~~反正是你自己写的嘛,你自己觉得好听就好!^-^爱音乐的孩子是好孩子~~本回答被提问者采纳,写歌其实不容易卖歌又要靠运气靠关系难得最好的歌运气好被公司保留但保留不一定会用用又不一定会被打就算变成主打版税可能又会拖拖拖,关于写歌,你要有一定的幻想能力,就是你在写的时候要想象一下你所写的东西在那样唱出来或者弹出来是什么效果!这也许就是所说的乐感吧……,靠吉他或钢琴之类的乐器 边弹边唱www.book1234.com防采集请勿采集本网。

原标题:著名音乐人陈耀川谈创作:只靠灵感写歌,就别来这一行

怎样写歌-教你创作流行歌曲(1) (一)专业与业余音乐人的区别 很多感兴趣新学流行音乐作曲的朋友,喜欢张口闭口的说跟我说,"我的流行音乐感觉比你 这个专业的强!" 这句话,对吗?呵呵,个人觉的很对,但是这个要看站在什么角度上看了,举 一个例子,同样

南都讯 记者丁慧峰 实习生叶梓9月12日,酷狗音乐人沙龙第一期线下活动在广州亼空间开启,著名原创音乐人陈耀川、原创音乐人海伦、音乐制作人常玮、伍华等,以“爆款歌曲的进阶之路”为主题,向现场众多音乐人分享自己的独到专业见解。谈及创作时,著名原创音乐人陈耀川直言灵感当然重要,但写歌不能靠奇迹。

1.为歌词写旋律,这是大多数西藏歌手在做的被认为是比较简单的方法。 2。配伴奏,也叫配器。 这是写歌的两个途径,缺一不可的两个方面。 如果一个人能同时掌握这两种方法。那就算是可以写歌了。 作曲的概念还应该包含以下众多因素: 写交响乐、

陈耀川接受采访时提到了音乐人的“匠心精神”和“共情能力”,他表示自己不是科班出身,大学学会计,创作并不能完全靠灵感,更重要的还是靠“共情”,“灵感可以让你有神来之笔,上午写了一首歌,下午就红了,那是神机,但是如果你靠神来之笔生活的话,你就等于靠奇迹。灵感很重要,但如果只靠灵感写歌,你就别来这一行”。

转载KUKE酷客音乐ARIA杂志2010年9月总第33期 疯狂的音乐人 青年作曲家原艺 印度诗圣泰戈尔曾经说过:“名如其实的人有幸福。”今天我们恰好拿这句来形容此次专栏的受访者著名青年音乐人作曲家原艺。他表现出一种新生代电子音乐制作人的冲动与专注

《单身情歌》《忘情水》《风中有朵雨做的云》等多首热门歌曲至今仍在流传,今年陈耀川还与酷狗合作,时隔20年重新演唱了自己为张信哲创作的经典曲目《信仰》,并首次尝试自己发歌,受访时他称之为跨越时空的对话,“唱歌对我来说挺难的,所以希望越简洁越好,尽量真诚地对待这首歌”。

‍‍可以休息一段时间再做。.听听别的类型的音乐,特别是风格跨度比较大的音乐,寻求听觉上的新刺激。一个人出去旅行一下,采样新的素材,思考下人生,可能会有新的创作灵感。可以看看书听听其它风格的音乐之类的。艺术都是相通的,你

转载KUKE酷客音乐ARIA杂志21132010年9月总第33期5261  疯狂的音乐人 青年作曲家原艺4102  印度诗1653圣泰戈尔曾经说过:“名如其实的人有幸福。”今天我们恰好拿这句来形容此次专栏的受访者著名青年音乐人作曲家原艺。他表现出一种新生代电子音乐制作人的冲动与专注。包括不断正视自己的音乐状态,勇于突破的音乐方向。我们想探索却又无从着陆的影视音乐制作,神秘浩瀚的实验电子音乐,专业古典与时尚的完美结合,也在这个较同龄人更为成熟的音乐人身上得到了解,今天KUKE音乐本期品鉴专栏带你走进青年先锋作曲家原艺的音乐世界。  田若飞:  当初进入音乐行业,是怎么考虑的,家庭,个人两方面的考量么?  原艺:  这个问题说来话长,我从小因为出生在音乐世家,在还没有出生钢琴便已经被爷爷买好,可能就注定这辈子要从事音乐吧。按照所有学习音乐的孩子的计划,我也是一样的按章行事,3岁开始学习视唱练耳,4岁开始学习钢琴。但是可能受到基因遗传的影响,我的固定耳朵在当时省内我敢打保证的说我是绝对的第一,一直到现在也不会太逊色的。如果说真正的开始热爱上音乐应该是从大概8岁左右,因为那时候音乐已经在脑海中彻底扎根,并且能理解到一些作品的真正的含义,经过多年正统化的学习于1994年考入了吉林音乐学院附中的作曲专业,那时候说实话特别的兴奋,因为每天可以和音乐在一起,只要是能做和音乐紧密的息息相关的事情,当时对我来说真的是种幸福。  田若飞:  平时的音乐创作,灵感从何而来?  原艺:  灵感其实有很多方面可以让你从心底去迸发,比如说你曾经的经历,你现在所看到的一个景象或事物,或者一部影片一部文学作品等等,这个其实说起来挺模糊的。因为人和人是不一样的,心里感受也不一样。但是如果一定要说我的一些灵感来源是什么,那么应该是来源于生活和经历。其实我的一些心理学专家的朋友说我心理年龄大概要超过我的实际年龄10岁左右,这就证明其实在心底我是一个有经历的人,相比同龄人来讲我的经历可能还真的很少有人会一样,比一般的孩子成长过程要复杂的多的多。不过我越来越能领悟到,音乐的成熟度其实是和年龄精密联系在一起的,一定是到了某个年龄段才会写出与这个年龄段的成熟度相吻合的音乐。如果偏要去模仿不是属于自己年龄段的东西,不是不能模仿出来,而是只能模出其形态,而不能模出其魂其精髓。再一方面,仅仅靠灵感来创作音乐是不完全的,因为灵感很多时候是一瞬间的闪光点,首先人不可能无时无刻的迸发出灵感,而是要灵感与理论去结合思考作品,只有这样作品才经得起推敲。相信有一些搞作曲或制作的朋友都有过同样的经历,突然间你迸发出了一个动机,并将它一气呵成的创作了出来,成为了一个你自己的作品,怎么唱来唱去都觉得旋律非常好听,可是到了第二天或者时间过的更久,就会潜意识里发现作品缺少了当初的新鲜感和兴奋度。这就证明,完全是感性的来创作而没有理性的思维和理论的支持是远远不够的。即便用感性写出一首好作品,  田若飞  在90年代,如何从传统作曲转型到电子音乐方向的?  原艺:  这点说来话长,前面说过我从小就学习古典音乐。在吉林音乐学院上到初二的时候,开玩笑的说是青春期萌动,突然喜欢上流行音乐并且开始玩乐队,当时可以说几乎合作过所有省内比较出名的乐队和音乐人,并且在那时候的圈里已经小有名气了。可能所有孩子在那个年代都有着一个叛逆的时期,不过到现在我也一样认为,我非常感谢那时期带给我的学校里学不到的那些知识。因为,一个搞作曲的人如果没有自己多元化和个性化,甚至在学习期间没有自己的叛逆感是不会写出有张力和有自己独特个性的好作品的。不过回头说来,毕竟父母是正统从事专业文艺事业的工作者,可能没有一个父母会赞同那么小的孩子就整天在外面跑来跑去的去玩乐队玩演出,于是父母经过协商决定,既然我不单一的把注意力放在传统音乐方面而是喜欢多元化的音乐风格,干脆让我从事音乐制作(那时候大家统称MIDI),就这样,我的第一个工作室就诞生了,当时说心里话还真没有什么准备。因为那时候的设备和现在相比还没有那么发达的科技,根本没有什么软音源,软效果器等等,完全靠硬件的支持,很多人都说那时候真是一个烧钱的时代,想要新的音色就要不停的添置硬件音源和合成器等昂贵的设备才能满足音乐制作的需要。说到这点我发自内心的感谢我的父母家人和我的第一个音乐制作老师(长春的著名制作人任红军老师)给予了我最好的条件和最大的支持。那时候很多人都羡慕我的工作室设备,直到现在很多老的设备我依然将它们陈列在我工作室一个区域,因为那是鉴证我最初从事这个行业的标识。从那时起我便知道,从此我将走上制作和创作并存的音乐道路。后来我工作到了武警天津文工团创作室,专业从事了作曲和音乐制作。对于重新来到一个陌生的城市还是一个你即将投入工作的城市我当时说心里话还真觉得有点彷徨和无助,因为我那时候从来没有离开过家,记得没错的话应该是16岁。不过那个时期在音乐方面对我来说真的是丰收时期,是仅仅靠学习而得不到的。因为在团里我很快的就得到团长以及全团的老前辈们在专业上的认可,开始了真正的从事音乐工作和发展。在天津武警文工团期间我创作和制作了近百场的晚会音乐,近千首歌曲以及舞蹈音乐的创作和制作。这个阶段是我在音乐上道路上向前迈进的一个重要阶段,也为后来打下了坚实的实践基础。再后来结识了中国电子音乐第一人张小夫教授,考入了中央音乐学院电子音乐中心,继续身造学习。这一说来我的每个阶段太过繁琐了,后面慢慢来讲吧。  田若飞:  曾经工作过一段时间,后来重新进入中央音乐学院学习,这段时期是怎么考虑的呢?  原艺:  在天津武警文工团工作了大概4年的时间,一部分的创作思维来源于从小的音乐理论基础,一部分来源于对音乐的灵性和感悟。可是毕竟年龄还很小,进入团里时才16岁,渐渐的发觉其实自己应该的学习的东西还很多,就像上面我说过,不能单纯的靠感性来维持创作。于是决定要继续学习。在2001年结识了中央音乐学院中国电子音乐第一人张小夫教授,张小夫教授给我的帮助特别的大,可以说是使我音乐道路发生重大改变的人,他全新的创作理念和高端的制作手法,深刻的影响了我,使我对音乐有了全新的认识,经过一年的学习我于2002年考入了中央音乐学院中国现代电子音乐中心作曲专业师从张小夫教授,又于2003年继续考入中央音乐学院电子音乐中心录音二专业师从著名制作人李凯老师。  天若飞:  在中央音乐学院的学习中,有什么收获?  原艺:  其实说到收获,一部分是在课堂上学习的专业化的课程知识,这是直观的。再有一方面最大的收获就是和众多国内知名作曲家老师们的合作,这点最为关键,这是课堂上所学习不到的,比如:苏聪 张丽达 刘湲 徐之彤 刘思军 秦文琛 陈丹布等等这些国内外的一线知名作曲家,和他们已经合作了多年的影视音乐,舞台剧音乐。在与他们合作的制作过程中,我都能学习到很多不同角度的作曲手法和理念,以及一种全新的作曲意识形态。和这些老师的合作不仅仅是在音乐上,在一些人文的思想理念上也是具有着很大的帮助的。我真的很感谢他们。我们不仅在音乐上市合作伙伴,更是亲密的挚友。  天若飞:  对代表作品的介绍(非流行)  原艺:  做过了太多的作品,其实每个说起来都有说不完的话,就列举几个吧,  1 与苏聪,徐之彤老师合作的舞剧《红楼梦》:这是一部中国最大的舞台剧目,由战友文工团演出,在这台舞剧里面不仅仅有中国化的交响,同时溶入了民族音乐与电子音乐的元素,使得这个传统的民族舞剧更具现代气息和多元化,在这个90分钟的舞剧里,紧扣“红楼”诗情、诗性、诗魂的舞蹈表达方式,以优美柔和的“梦境”展现主人公的内心世界,宝玉、黛玉、宝钗、王熙凤、贾母、贾政、刘姥姥等中心人物以娴熟的技巧和音乐紧密的结合,舞出处境、命运和情感。  2《疯狂的石头》:是我创作的一部大众所熟知的影片,这部影片里我的音乐创作方向可以说是一个结合体,影片是个本土化的黑色幽默,所以在音乐上的理念采取了诙谐与矛盾的创作理念,采用了ROCK 室内乐 电子音乐,以及交响乐和民乐。还记得当时我与宁浩一起研究创作方向的时候,宁浩就告诉我,从表面上看这是一部喜剧,但是要从下一个层面来体现我们生活中被忽视的民间社会心理,和一种小市民化的草根文化。所以音乐上我们采取了土洋结合,在乐器上矛盾挣扎中的自我戏虐等手法,使矛盾更加矛盾,直接变为不和谐,这点从配器手法和音乐语句上观众可以明显感受到。  3电影《完美新娘》:这是前不久上映的一部新片子, 一部都市题材的影片,在音乐主题上我对经典名曲《献给爱丽丝》进行了变形和改编来表达女主人公不同时期不同状态下的内心变化,这部片中的音乐从创作理念来讲是突出一个新的概念,不局限于某种风格的限制,在交响化和实验电子音乐的结合下,继续加注流行音乐的元素,完全是要突出新古典主义的理念。  4 2010上海世博会《西门子》球幕影片:这部影片是一个叙事性的段落,从远古至现在,整片分为5个PART来表现西门子的整个历程,在音乐上各时期的表现手法都是不同的,里面运用了室内乐 NEWAGE音乐,交响乐与合唱的结合来描写每个时期的不同发展历程。  天若飞:  您认为中国电子音乐的发展现状如何?与国外的差距在哪里?应该如何继续努力?  原艺:  中国的电子音乐的发展比较前几年来讲已经是飞速发展的,相比前些年的发展无论从设备上还是软件上都已与国际上接轨,很多次我和国外的著名制作人交流都纷纷表示甚至中国的很多工作室和录音棚都是国际水准。但是在理念上我们还有着很多的差距,毕竟电子音乐的发展始于国外,所以一些理念上我们还要有待于提高。但是我们的优势是我们具有着东方独有的音乐气质,这是我们最大的财富,因为一味的模仿是永远跟随在别人的后面,关键是在于如何取长补短,将自己的优势与人家的优点合理的结合,创造出有自己特色。开句玩笑话说就是:走出东方社会主义特色的全新音乐创作理念。  天若飞:  您认为中国电子音乐在古典音乐与流行音乐中如何巧妙融合?有怎样的看法?  原艺:  传统音乐是音乐的根基,其和声,复调,曲式,配器法等方面都与现代音乐息息相关。即便是再现代音乐也与传统的理论分不开,所以如果想做好现代音乐或者电子音乐,传统作曲的理论还是相当重要的。其实在近些年中国的音乐上已经明显体现传统音乐与现代电子音乐的结合,但是很多音乐人将这种结合的概念认定为传统音乐与MIDI编程音乐的一种结合,在除传统音乐以外的电子化的部分基本采用现成的音源音色以及LOOP采用MIDI技术编程结合,而并非独立创作电子化声音的。我个人认为,若想使当代的音乐具有自己独立的个性,首先是要将传统的根基写好,其次就是创造出具有自己特质的电子化音色与其完美的结合,使两者是一个不可分割的整体,而不是在传统音乐的基础上随便加入几个传统乐器做不出来的音色。之所以很多人问我,为什么那么喜欢一些高端的稀奇古怪的纯模拟合成器,我的回答就是因为这些声音是我用合成法制造出来应用,它们是独一无二的。  田若飞:  你的YZ音乐团队和工作室成立了已经有很多年,大概介绍一下。  原艺:  YZ音乐团队是我和挚友青年作曲家赵继昀先生共同创立的,成立于2003年,成员均为国内专业音乐院校比较突出的人才,他们分别来自中央音乐学院 中国音乐学院 中国传媒大学 首都师范学院 天津音乐学院等等。从最初的五六个人扩展到近二十人。团队中每个成员都有着自己最擅长的专业领域,我们根据不同音乐种类不同分工,可谓术业有专攻吧。团队所有成员在一起特别融洽,我们就像个大家庭,最开心的时刻就是大家在工作室疯狂的工作状态,可以用幸福来形容吧。  田若飞:  介绍一下最新的公益单曲,作品介绍,以及一些对于公益事业的看法。  原艺:  前不久新创作的中国第一首低碳环保歌曲《爱的呼唤》,由我作曲,携手好友天堂乐队雷刚作词,由二炮文工团著名歌手董冬和中国红歌会歌手唐涛演唱。这首歌曲其风格上是流行和交响乐结合的风格,算是一首比较大的作品吧,在音域上也比较高,作品在网上可以搜到,我就别在这自卖自夸了,哈哈。很感谢录制歌曲的所有工作人员,亚洲爱乐乐团,著名吉他手羊力,声音STUDIO,著名混音师刘宇。这首歌曲过一阵会在CCTV 15音乐频道滚动播出,MV由著名新锐导演李建武亲自操刀。其实做这首作品并没有想让作品如何如何,最主要的是想给大家一种提示,来保护我们这来之不易的生活环境,自我反思一下。关于公益事业我是非常支持的,经常会被邀请去参加一些公益的演出和活动,因为公益事业不仅仅是为了个人,更是为了我们整个社会这个大家庭,公益事业的进步程度代表着民族进步的程度,发展中国公益事业任重道远。我们中华民族崇尚仁者爱人的儒家思想,因此,公益事业是一件具有着重大意义的事业,原艺是很年轻的音乐制作人,创作了很多我们熟悉的影视音乐。是一位出色的青年音乐人内容来自www.book1234.com请勿采集。

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